CÓMICO ES SIEMPRE LO IRRAZONABLE

“No sabemos quién descubrió el agua, pero desde luego que no fue el pez”, afirmó Herbert Marshall McLuhan. Ciertamente y sin lugar a dudas el último fue el pez… para que la descubriese, el pez debería ser un investigador, un explorador  y un descubridor; a su vez para practicar esas cualidades, tendría que desprenderse de sus costumbres y cuestionar todo lo que acepta desde siempre como inmodificable para poder observar, ver y encontrar nuevamente aquello que ya es y está, lo rodea y permite su existencia, algo que podría lograr si su pensamiento le otorgase ver realmente su entorno y si además de ello, dejara de aceptarlo como único, obvio y cotidiano. 

En “El empresario de Smyrna” de Carlo Goldoni, una docena de actores y cantantes están sentados en un parador en Venecia esperando la llegada de un director que ansían los contrate. Venecia, la metrópolis más importante de su tiempo no existe para ellos, ni siquiera se asoman a la puerta del lugar para mirar al menos la calle, sólo tienen en cuenta una pequeñísima ventana con vista al mar, eso es lo único que les importa, porque de ese mar llegará su suerte. Finalmente, cuando eso ocurre y el hombre aparece como una figura mediática de la actualidad, no tiene nada que ver con lo que habían imaginado pero les da lo mismo. Lo único que les interesa es aparentemente “el arte”, pero naturalmente son sólo e invariablemente ellos mismos. En ese punto comienza a desarrollarse la trama que resulta hilarante y como en toda comedia, terminamos riéndonos de nuestras propias relaciones, reacciones, afirmaciones y demás, porque por lo general se las adjudicamos al prójimo. Cómico es siempre lo irrazonable y que únicamente puede ser superado a través de la risa aunque más no sea absolutamente histérica. Lo irrazonable nos resulta gracioso en escenas cuando sólo las observamos, aunque las más de las veces provoquen en nosotros el mismo efecto autocrítcio o de análisis que ver en las noticias televisadas una masacre en un jardín de infantes de un país lejano y destruído. Sólo nos arranca lágrimas la muerte del gatito propio bajo el sol recalcitrante del patio, no la ajena y lejana. Lo irrazonable es esa forma ilógica e insensata que igual que el pez practicamos a diario en nuestro cotidiano porque entre otras cosas, irreflexivo y ridículo también lo es por ejemplo la moda en todas sus espicificidades y variantes con algunas contadas excepciones en la vestimenta. Las modas, no son otra cosa que la eliminación de lo distinto y la anulación de toda desviación de las reglas, conllevando no sólo a un uniformamiento estético, sino a una tácita e implícita negación de pensamiento.

También está esa maldita costumbre, casi obsesión diría, por citar a pensadores (naturalmente de moda los más) y repetirlos como mantras esclarecedoras sin el menor filtro de análisis. Por otra parte, me sorprende que los pensadores de moda tan mentados, sean en su mayoría septuagenarios+ (los aún con vida), cuando el mundo en su velocidad vertiginosa  ha dejado muy atrás la realidad de la que surgieron sus pensamientos y en la que basaron sus teorías y conclusiones. 

Desde Platón se han sucedido diferentes definiciones de arte, porque precisamente, el arte está directamente unido a la época en la que se lo crea. Hoy, el arte es una idea que nace de la  mirada crítica con la que el artista interroga al mundo en el que vive, expresada (en la disciplina que sea), de manera poética, emocional y estética del discurso político, social y cultural de su hoy .Es  por eso, por ejemplo, que el término o clasificación de “vanguardia” resulta agotado, ya que en la actualidad, considerar que la obra de un artista está por delante del hoy es tan incorrecto como si éste atrasase dedicándose al cubismo o el puntillismo, por ejemplo.

Desde los medios, lo sabemos ( y simplemente lo consumimos incuestionablemente como  a tantos pensadores), se nos dicta cómo tenemos que vestirnos, qué necesitamos, cuál es el mejor producto, qué tenemos que pensar, qué color nos gusta, qué tenemos qué comer, qué tenemos que leer, qué es saludable y qué insalubre, dónde vacacionar, qué lugares visitar, de qué estar en contra o a favor y hasta a quién deberíamos votar; en definitiva se nos dice cómo tenemos que vivir para no molestar y convertirnos en masa o manada dócil, que resulta lo mismo cuando se trata de silenciar todo individualismo y análisis propio, una comodidad zombie que atinamos a señalar generalmente como comunidad, partidismo o hasta ventaja en las sociedades de este siglo. La  inercia y la pereza, jamás tienen que ver con la creación ni con el arte y nunca son una ventaja, salvo para quienes la promueven.  Parecer, semejar, aparentar y pertenecer, cuatro verbos que  motorizan a gran parte de las sociedades y aniquilan tácitamente la posibilidad de ser y de crear. En esta alucinación constante en la que se han convertido el mundo y nuestro cotidiano, estamos dispuestos a invertir en bitcoins y a vivir por boca de ganso borrándonos gradualmente hasta la autoextinsión sin necesidad de glifosato, cualquier tipo de atentados o catástrofe natural alguna . 

El arte necesita de lo distinto, del riesgo, de las excepciones y no las reglas, la  investigación, la exploración, los descubrimientos y las invenciones. El arte necesita de pensamiento crítico tanto como abstracto y también de inseguridad, no hay fórmulas que lo faciliten o simplifiquen. ¿Qué es hoy lo que queremos indagar o incursionar tanto hacedores como público y "en vivo" de la realidad, en un mundo en el que los medios manipulan nuestras emociones como si se tratasen de valores accionarios?...

LAS CHANCHAS en el TACEC (Teatro Argentino de La Plata)

Luego del primer tercio, terminar la lectura de la novela me fue trabajoso por lo previsible y por el rol de la mujer en las chicas que piden ayuda y denuncian un supuesto intento de secuestro por una bendita Trafic blanca con la que de manera endovenosa, te sacudían  las noticias nacionales hasta la hemiplejia en el momento que Felix Bruzzone la escribió y que a pura sucesión de estupideces, terminan no sólo como en el comienzo temen y no quieren, sino que lo hacen en el rol de dos Lolitas clase media y lejos de que se ahonde en su incapacidad burguesa de relacionarse críticamente con el entorno, sobrevuelan una inventiva harto machista y como consecuencia muy plana. García Wehbi, pese a haber sido autor del libreto junto al compositor, mantuvo  la linealidad argumentativa que resolvió optando por ilustrar. El compositor Santcovsky, no. 

Foto: Luciana Demichelis 

 Al ingresar al espacio del TACEC, uno ve una enorme jaula con mucha gente colorida y otra no tanto (¿porque hacen música o cantan, tal vez? porque se los ve vestidos de manera diría que privada), instrumentos, basura, unos potus guardatodo, en fin... objetos y personas por todos lados.  Recordé al teatro europeo independiente de los años 70s y recordé al Woyzeck del propio Wehbi. Mientras no ocurría nada importante, primero porque todavía estaba entrando gente y luego porque, tal vez respetando la tradición y la estructura musical de la ópera clásica se trataba de una obertura, pensé acerca de la jaula. Una jaula es un elemento bien real que tiene en todos nosotros un único significado: encierro. ¿Están entonces todos encerrados, secuestrados como las chicas, son todos conejos o son todos un experimento humano como Woyzeck o un experimento como esta ópera? Pensamientos que ocurren cuando los objetos emplazados en escena tienen un alcance muy preciso, pero v iendo la solidez de la jaula lo descarté inmediatamente porque cualquiera que intentase treparla hubiese podido romperla o cortar los precintos que la sujetaban  y salir. ¿están todos encerrados porque quieren?. ¿Será una crítica al “como si”  de la escenografía clásica y por ende a la ópera?. No, tampoco, como se vio luego en el transcurso de la obra. La jaula enmarcó una puesta a la italiana que terminó de desbaratarle su sentido de ser, siendo acompañada de una platea en U, todo tan clásico y tradicional como la cabeza de cartapesta que usó el mago, no como objeción a algo y no como propuesta. Luego de la “obertura”, García Wehbi resolvió las escenas  incorporando clichés y recursos teatrales clásicos, algunos personajes innecesarios que sólo aportaron gags no siempre despabilantes, pero que no llegaron a darle profundidad dramática, dinamizar la obra y mucho menos a mostrar una visión propia clara, definida, mientras la música iba por otro lado. Dentro de la jaula, los actores y las actrices no encontraban o no buscaban la luz; el coro sí, pero porque se apelmazaba en un banco fijo como si no se supiera qué hacer con él, no tenía la menor injerencia dramática en la propuesta netamente teatral, salvo conformar un coro. Me pregunto si para justificar la idea de ópera, ¿ debería haber gente que cante?, de alguna manera, el coro dejaba percibir con cierto empecinamiento benévolo la intensión de un rol (impuesto), pero sólo eso. Entre algunos elementos escénicos de otras obras anteriores, fácilmente reconocibles por no haber sido modificados en lo más mínimo, los personajes parecían tener la misma antigüedad caricaturesca del “hijitus” que mostraban los dos televisores vintage al fondo. Gordini, el consabido malo con el torso descubierto, calvicie, lentes ahumados y tatuajes; las chicas chetas con el uniforme típico y en el contexto del relato, como salidas de una sesión fotográfica clásica de la Play Boy; una profesora de inglés como en El Chapulín Colorado; un conejo blanco, que pasó a ser sólo un actor disfrazado de conejo blanco cuando aparecieron los tantos de utilería sin que se aprovechase la situación, un hippie cuya imagen todavía estoy tratando de olvidar  y un marciano con slip, porque vaya a saber qué genitales tienen los marcianos…que naturalmente fue VERDE (no quiero decir que si los hay, los marcianos anden desnudos permanentemente). En el centro de la escena, la directora dirige la orquesta casi pretendidamente disimulada (la orquesta, no la directora) .Olor a tortilla, olor a café…. Fuera de la elogiada obra de Bruzzone y el compositor Fabià Santcovsky traído expresamente desde España en dos oportunidades, desconozco con qué otros obstáculos pueda haberse encontrado García Wehbi para llevar adelante esta jugada. El barítono Sebastián Sorarrain sacando el diapasón del bolsillo para encontrar la nota precisa en ese mundo, me pareció casi un acto sublime.

fotografía de Luciana Demichelis (Ensayo General)

Las razones del desgaste escénico de una puesta son complicadas y jamás tienen que ver con falta de presupuesto. Desde su creación por el compositor y actual Director Artístico y General del Teatro Argentino, Martín Bauer: el TACEC ha ofrecido una variada paleta de propuestas contemporáneas, no siempre interesantes, pero imprescindibles para comenzar un debate necesario e impostergable, una tarea que continuó su sucesora en la sala, la escritora y dramaturga Cynthia Edul, de quien surgió esta iniciativa de la cual “Las chanchas” es la tercera en la tentativa de producir ópera contemporánea (la primera fue “El viento que arrasa” de Beatriz Caetani y música de Luis Menacho y la segunda “El universo en un hilo” de Marina de Caro con música del actual director del espacio, el compositor Luciano Azzigotti). Encuentro algunos inconvenientes que generaron indudables dificultades en las tres y que considero importantes a tener en cuenta. Todo experimento puede fallar, obvio y todo artista también sin dejar de serlo. En primer lugar, en este país existe la práctica generalizada de imponer constelaciones creativas porque se piensa que porque la obra de ambos artistas pensados para el caso resulta atrayente, rica, excepcional o lo que sea o que la propuesta está temáticamente acorde con su trabajo, puedan sin conocerse personal y/o profesionalmente, arribar juntos a una creación tan o más interesante que aquello que gestan individualmente  y otras veces, las vinculaciones ocurren por compromisos artísticos de la casa, favoritismos o proyecciones personales de quien las arma, políticos ansiosos y otras presiones. La mayoría de las ocasiones entonces, los creadores involucrados se ven obligados a otorgar concesiones que nada tienen que ver con su personalidad, su obra o intensión creativa, limitando y debilitando indefectiblemente no sólo su trabajo sino el resultado final. La idea de “musicalizar” una novela es algo que han hecho una enorme cantidad de compositores ya en épocas anteriores para las que su tiempo, su moda, su realidad y su cultura, convertían la fusión música-novela en no pocos casos en innovadora y hasta revolucionaria y hoy encuentro un conflicto hasta el momento insoluble en el que esa unión de siempre nos acerque a la innovación,  la contemporaneidad y a lo contemporáneo y nos permita nuevos resultados respecto de la ópera clásica en sociedades que cada vez están más representadas en la velocidad de la imagen y la poca capacidad de concentración en la palabra; por otra parte, quien escribe una novela piensa ya en su ritmo, la cadencia y sonoridad de sus palabras, los silencios, etc..  y al incorporarle música contemporánea (para la que todavía no hay una educación masiva del oído, aún cuando el TACEC ha demostrado ser un excelente medio para eso), con excepción del cine, se ignora no sólo su obra sino también su proceso creativo. Hay una pregunta con respuesta pendiente: ¿Cuál es la estética musical, visual, escénica y temática hoy?. Fuera de la industria cinematográfica,¿ necesitamos en escena ( y aquí un elemento importantísimo es la acción en vivo) contar todavía más historias lineales de las que vemos, escuchamos, leemos o vivimos a diario? Hace falta el debate. Asimismo, poner la dirección de escena de una ópera contemporánea en manos de artistas que se manifiestan casi exclusivamente o sólo en teatro, plástica o performance, hace que dada su falta de interés, afición y/o su desconocimiento del género, reproduzcan quien más quien menos e invariablemente, la idea “vox populi” de ópera que arrastran desde la infancia y que no es otra que la misma que tienen los asiduos megalómanos y amantes de la ópera y música clásicas, una realidad que actúa en contra al momento de crear e innovar, porque en el desconcierto sólo terminan sumando actores y actrices no siempre necesarios para la acción, la imagen y el relato y toman la composición, a los/as músicos/as y a los/as cantantes, como si su accionar se tratase únicamente de simple música incidental haciendo convivir en escena dos mundos muy distintos sin siquiera detenerse a ver cómo sacarles provecho. Si bien los cambios se inician en la formación, para que exista la posibilidad de gestar una nueva forma (que sería loable que de ser nueva no se llamase ópera), hace falta meditar no sólo qué rol representa un cantante o un músico (con su respectivo instrumento) en escena hoy, o una dirección de orquesta batuta en mano, respecto de ese elenco actoral incorporado y mucho menos como esta constelación lo ha ameritado, reflexionar sobre la sonoridad de los textos decididos  hablados.¿Por qué alguien repite textos musicalmente o dice puppoppiiip plop a diferencia del resto? ¿Por qué alguien canta y otro habla? ¿qué aporta en imagen y por lo tanto en contenido que alguien esté en el centro, arrinconado u olvidado, siempre con ropas negras, moviendo los bracitos con su batuta?, ¿por qué está esa gente accionando esos instrumentos (objetos) que suenan? ¿Qué sonoridad y ritmo tienen la voz y la dicción del actor que interactúa con un cantante o un coro?. Por último, algunos compositores no partcipan del proceso creativo, ni de los ensayos, por lo que ignoran la incidencia de la música en el espacio y la acción y viceversa; compositivamente no se piensa en la emocionalidad y la estética sonora y auditiva de nuestro entorno y nuestros submundos, sino en diferentes métodos, estructuras y técnicas de composición aprendidas, que como es el caso de  Las Chanchas, resultan no tener nada que ver con la obra.  

Ensayo General. Foto de Luciana Demichelis 

Libreto: Emilio García Wehbi y Fabià Santcovsky basado en la novela homónima de Félix Bruzzone.

Música: Fabià Santcovsky

Dirección de Escena: Emilio García Wehbi

Dirección Musical: Natalia Salinas

Cantantes: Graciela Odone (soprano), Ricardo González Dorrego (tenor), María Inés Franco (mezzosoprano), Sebastián Sorarrain (barítono)

Elenco: Blas Arrese Igor (Andy) con la perra Lía, Mariana Moreno (Mara), Victoria Hernández (Lara), Valeria Piscicelli (Romina), Mariano Saavedra (Gordini), Gustavo Parola (Hippie viejo, policía), Ernesto Kiare (conejo, María Marta Serra Lima), Marcelo Peri (mago), Marcelo Perona (marciano), Carolina Donnantuoni (profesora de inglés)

Ensamble: Alejandro Bidegain (saxofón), Carlos Arias Sánchez (fagot), Martín Mengel (trompeta), Guillermo Menguel (trombón tenor), Bruno Lo Bianco (percusión), Sebastián Boeris (piano y preparación), Juan Almada (guitarra eléctrica), Pablo Sebastián Rubino Linder (violín), Pilar de Larrañaga (violoncello), Juan Elías (contrabajo)

Espacio: Julieta Potenze

Iluminación: David Seiras

Vestuario: Belén Parra

Copistería musical: Luciano Kulikov

Sala TACEC. Teatro Argentino de La Plata (15, 16, 17 y 18 de marzo de 2018)